Berni Searle: Light, as a Feather

01.05. – 21.06.2026

Gallery Weekend Berlin

Friday, May 1st: 6-9pm
02.05 & 03.05: 11am – 6pm

The exhibition Light, as a feather by Berni Searle (b. 1964, Cape Town), brings together two bodies of work from the early ‘Colour Me’ series (1999-2001) and a more recently produced series called ‘Sugar girls’ (2025-). Searle’s multidisciplinary practice spans photography, video, performance, and installation, which often centres the human body – both figuratively and conceptually, or through its strategic absence – to explore self- representation, collective identity, and narratives shaped by history, memory, and place.

The ‘Sugar girls’ series (2025–) is an ongoing project which draws on Cape Town’s history as a port city at the crossroads of the Atlantic and Indian Oceans. Conceived during Searle’s 2024 residency at Zeitz MOCAA, the project engages the ‘docks’ area, which has become a major tourist attraction called the V&A Waterfront. As with many waterfront development projects, this area has transformed dramatically in a relatively short period due to interconnected processes of gentrification and various economic and political factors, leading to the displacement of many local communities that once frequented it.

The work focuses on women who, from the 1960s onward, formed relationships with sailors docking in the harbour ranging from transactional exchanges to longer-term attachments, sometimes resulting in children. Many of these exchanges took place in private homes, which were often referred to as suikerhuisies (sugar houses), where women gathered and received the sailors. Drawing on interviews, archival fragments, and anecdotal references, Searle traces how these largely undocumented histories, shaped by segregation and economic precarity, continue to reverberate across generations.

The exhibition furthermore presents a selection of works from the early ‘Colour me’ series, including Still #4, 6 & 7, which were created at the same time and are related to the production of the video Snow White, first presented at the Venice Biennale in 2001. In this work, flour gradually transforms, covers, and reveals Searle’s body before she gathers and kneads it with water, forming it into a dough. Her actions recall the making of rotis learned from her mother, connecting her to her cultural heritage through food. 

The exhibition also includes an installation from this early body of work, called Off white: back to back (1999), which has only been shown previously at Inova, University of Wisconsin, Milwaukee as part of Searle’s first residency and exhibition in the USA. 

The presentation of the series is completed by a collection of polaroids. Initially used as a means to test exposure and the artist’s position during the staging of the photographs that make up the ‘Colour me’ series, the polaroids have become a work in their own right. By engaging with notions of transience, and by quite literally speaking of – and through – light and colour, they embody the connection between the two series’ that come together in ‘Light, as a feather’.

Seen together, these works provide an opportunity to consider the continuities and divergences that shape Searle’s practice, which continues to foreground the body as a site where histories of labour, migration, and cultural exchange surface. The exhibition title evokes the lightness of flour and sugar in their material translucency and slight weight, as well as the colour of the materials that have been used in relation to the body. This delicacy contrasts with the underlying weight of the sociopolitical legacies they carry, drawing on emotions of displacement, vulnerability, shame, and loss.

Berni Searle (born 1964) lives and works in Cape Town, South Africa. She received her Master of Art in Fine Art (MFA) from the University of Cape Town (1992-95) and was awarded a Bachelor of Arts in Fine Art (BAFA) from the same institution (1984-7). 

Searle’s work will be and was included in the 2001, 2005 and 2026 Venice Biennales, the 1997 Johannesburg Biennale or the 1998 Cairo Biennale. Searle will also present at the Art Basel Unlimited 2026, curated by Ruba Katrib.

Searle received a UNESCO award in 1998, the Minister of Culture prize at the Dak’art 2000 Biennale, and was nominated for the FNB VITA Art Award 2000 as well as the Daimler-Chrysler Award for South African Contemporary Art in 2000. In 2001, she was awarded a Civitella Ranieri Fellowship. She was the Standard Bank Young Artist in 2003 and shortlisted for the first Artes Mundi award in 2004.

From 2006 – 2007 her solo exhibition ‘Approach’ travelled to Krannert Museum, Champaign, Illinois, Johannesburg Art Gallery, Johannesburg, SA and the USF Contemporary Art Museum, Tampa, Florida, USA. In 2014 Searle was included in two major exhibitions in the USA, ‘Earth Matters’ at the National Museum of African Art, Smithsonian Institution, Washington DC, and ‘Public Intimacy: Art and Other Ordinary Acts in South Africa’ at the Yerba Buena Center with the Arts in conjunction with SFMOMA in San Francisco.

Die Ausstellung „Light, as a feather“ von Berni Searle (geb. 1964 in Kapstadt) vereint zwei Werkreihen: die frühe Serie „Colour Me“ (1999–2001) und  „Sugar girls“ (seit 2025). Searles multidisziplinäre Praxis umfasst Fotografie, Video, Performance und Installation. Im Mittelpunkt steht dabei oft der menschliche Körper – sowohl metaphorisch als auch konzeptuell oder durch seine strategische Abwesenheit –, um Selbstdarstellung, kollektive Identität und von Geschichte, Erinnerung und Ort geprägte Narrative zu erforschen.

Die Serie „Sugar girls“ (seit 2025) ist ein fortlaufendes Projekt, das Kapstadts Geschichte als Hafenstadt am Schnittpunkt von Atlantik und Indischem Ozean aufgreift. Entstanden während Searles Residenz im Zeitz MOCAA (2024), beschäftigt sich das Projekt mit dem Hafengebiet, das sich zur V&A Waterfront, einer bedeutenden Touristenattraktion, entwickelt hat. Wie bei vielen Uferentwicklungsprojekten und aufgrund der damit einhergehenden Gentrifizierungsprozesse hat sich dieses Gebiet in relativ kurzer Zeit dramatisch verändert. Eine Reihe wirtschaftlicher und politischer Faktoren führte zur Verdrängung vieler lokaler Gemeinschaften, die das Gebiet einst frequentierten.

Die Arbeit konzentriert sich auf Frauen, die ab den 1960er Jahren Beziehungen zu Seeleuten eingingen, die im Hafen anlegten. Diese Beziehungen reichten von kurzfristigen Transaktionen bis hin zu längerfristigen Bindungen, aus denen mitunter Kinder hervorgingen. Viele dieser Begegnungen fanden in Privathäusern statt, die oft als „Suikerhuisies“ (Zuckerhäuser) bezeichnet wurden. Anhand von Interviews, Archivfragmenten und Anekdoten zeichnet Searle nach, wie diese weitgehend undokumentierten Geschichten, geprägt von Segregation und wirtschaftlicher Unsicherheit, über Generationen hinweg nachwirken.

Die Ausstellung präsentiert außerdem eine Auswahl von Werken aus der frühen Serie „Colour me“, darunter „Still #4, 6 & 7“, die zeitgleich entstanden sind und mit der Produktion des Videos „Snow White“ in Verbindung stehen, das 2001 auf der Biennale in Venedig uraufgeführt wurde. In diesem Werk verwandelt sich Mehl allmählich, bedeckt und enthüllt Searles Körper, bevor sie es mit Wasser zu einem Teig knetet. Ihre Handlungen erinnern an die Zubereitung von Rotis, die sie von ihrer Mutter gelernt hat, und verbinden sie so mit ihrem kulturellen Erbe und dessen Kulinarik.

Die Ausstellung umfasst auch eine Installation aus dieser frühen Werkgruppe mit dem Titel „Off-white: back to back“ (1999), die zuvor nur im Rahmen von Searles erster Residency und Ausstellung in den USA bei Inova, University of Wisconsin, Milwaukee, gezeigt wurde.

Die Präsentation der Serie wird durch eine Sammlung von Polaroids vervollständigt. Ursprünglich als Hilfsmittel zum Testen von Belichtung und Positionierung während der Inszenierung der Fotografien für „Colour me“ verwendet, haben sich die Polaroids zu einem eigenständigen Werk entwickelt. Indem sie sich mit dem Konzept der Vergänglichkeit auseinandersetzen und ganz wörtlich von – und durch – Licht und Farbe sprechen, verkörpern sie die Verbindung zwischen den beiden Serien, die in „Light, as a feather“ zusammengeführt werden.

Zusammen betrachtet bieten diese Werke die Möglichkeit, die Kontinuitäten und Divergenzen in Searles künstlerischer Praxis zu untersuchen, welche den Körper als Ort in den Vordergrund rückt, an dem Geschichten von Arbeit, Migration und kulturellem Austausch sichtbar werden. Der Ausstellungstitel spricht von der Leichtigkeit von Mehl und Zucker in ihrer materiellen Transparenz und ihrem geringen Gewicht. Diese Zartheit wird der Schwere der soziopolitischen Vermächtnisse gegenübergestellt, die Searles Arbeiten in sich tragen – sie sind voll von den Emotionen, welche von Entwurzelung, Verletzlichkeit, Scham und Verlust hervorgerufen werden.

Berni Searle (geb. 1964) lebt und arbeitet in Kapstadt, Südafrika. Sie erhielt ihren Master of Art in Fine Art (MFA) an der University of Cape Town (1992–95) und zuvor einen Bachelor of Arts in Fine Art (BAFA) an derselben Institution (1984–87).

Searles Arbeiten wurden bzw. werden auf den Biennalen von Venedig 2001, 2005 und 2026, der Johannesburg Biennale 1997 sowie der Kairo Biennale 1998 gezeigt. Außerdem wird sie bei Art Basel Unlimited 2026 präsentieren, kuratiert von Ruba Katrib.

Searle erhielt 1998 einen UNESCO-Preis, den Preis des Kulturministers auf der Dak’art Biennale 2000 und wurde im Jahr 2000 sowohl für den FNB VITA Art Award als auch für den Daimler-Chrysler Award for South African Contemporary Art nominiert. 2001 wurde ihr ein Civitella Ranieri Fellowship verliehen. 2003 war sie Standard Bank Young Artist und 2004 auf der Shortlist für den ersten Artes Mundi Award.

Von 2006 bis 2007 reiste ihre Einzelausstellung „Approach“ zum Krannert Art Museum in Champaign, Illinois, zur Johannesburg Art Gallery in Johannesburg, Südafrika, sowie zum USF Contemporary Art Museum in Tampa, Florida, USA.

Im Jahr 2014 war Searle in zwei bedeutenden Ausstellungen in den USA vertreten: „Earth Matters“ im National Museum of African Art der Smithsonian Institution in Washington, D.C., sowie „Public Intimacy: Art and Other Ordinary Acts in South Africa“ im Yerba Buena Center for the Arts in Zusammenarbeit mit SFMOMA in San Francisco.

Installation views: Jerzy Goliszewski